中国水墨画融合东西方艺术之美
水墨画始于何时，已无十分确切的年代可考，但至少在公元八世纪的中国唐代，就相当流行了。它的工具主要是毛笔，材料主要是能溶于水的墨、纸、绢。比水墨更早的画，都以浓丽的色彩为特色，水墨画则开辟了以黑白两色的变换为特质的绘画新样式，十世纪以来竟演为中国绘画的主流，至今千年不衰。
古代中国画论有句话墨分五色，意思是黑色分出浓淡以后，也像缤纷的五色那样丰富和耐看。传统中国哲学崇尚宁静淡泊，认为不争名利、远离官场倾轧的人和与大自然和谐相处、洁身自爱的人才算淡泊，因而也品质高尚。不以美丽的色彩炫目的水墨画与追求淡泊人生、淡泊精神的士大夫知识阶层合拍，于是就成为士人们喜爱的艺术方式。
水墨画大略分为工笔和写意两类。工笔即工整细致的描写，重视形似；写意是写其大意，重视似与不似和抒发画家的主观情感。约十三世纪后，文人画家成为画坛的主宰，抒情寄意的写意水墨逐大行其是，涌现了许多画家和作品。
二十世纪以降，西方绘画被大规模引入中国并成为学校美术教育的主课。水墨画和油画等相比较，弱于刻画物象，也弱于表现时间、光色的奇妙变化；加之传统既久，理法过多，许多画家观念保守。一批留学欧美、日本的青年艺术家，率先引入光色，改革传统水墨画，于是出现了以融合中西画法为特色的新水墨画(或曰彩墨画)，并且形成气候，形成与传统水墨画的并立、互补之势。
杨佴旻幼习水墨画，继入大学兼学中西绘画。后到日本，又吸收日本画的一些因素，形成了他自己的风格。他仍用水墨画工具媒材如宣纸、墨、毛笔和水墨画颜料，保持了水墨画的透明性。但把水墨主角换成了色彩主角，在题材、构图、造型、光线、笔法、情调各方面也弱化了传统因素，以追求表现他所见、所想的世界。
在他笔下，静物、室内外景色、有环境的人物、都笼罩在柔和的光线里，但那光并非印象主义式的外光，亦非伦勃朗与荷兰画派式的神来之光，而只是源自于现实感受的一种光感，在这种光感的把握中，画家摆脱了光源，也摆脱了固有色、环境色的约束，获得了组织色调和表达情绪的自由。这种画法，与印象派有点关系，与野兽派也有点关系，但又是自己的，赋予中国情调的，平和、安详、温馨而优雅，没有丝毫的躁动与激烈。这与他的生活环境、生存状态与特定心境相一致。
一方面是中国情结，深受中国艺术的熏陶；一方面又久居异域，为那里的景象人物所吸引和感染，不忘水墨黑白与通透性，又偏爱光满现世温暖的阳光与色彩，两方面自然而然溶为一体。传统中国人喜爱自然，也向往宁静、悠远而自守的田园生活，并在艺术作品里把这种宁静的田园生活诗意化。但在当代中国艺术家的画作里，这样的诗意情景越来越少见了，而代之以工业化时代的焦虑、急躁、变态和紧张。杨佴旻在远离故国的工业化国家生活，但他避开了日本式的繁华与内在清寂，也未取美国式的强悍与顽皮，他关注自己周围的环境室内的花朵、地毯、花园的小径和栏杆、桌子上的水果、杯子里的牛奶，或者阳光下的海滩、阳台上的风景，以及清晨的天空和尚未苏醒的楼房这是每个生活在这样环境里的人们熟悉的东西，是他们因为匆匆上班赶路或思考竞争策略而忽视的一切。然而一经画家描述，这场景、光线、色调和氛围就生出一种亲切的诗意、一种温暖的静谧。以中国田园诗般的眼光观察或体味优裕的西方家居生活，赋予它以诗意、画情我喜欢，相信西方的观众也喜欢。
杨佴旻的作品，构图十分朴素，从不以奇巧或险峻取胜，它们离你很近，让你感受到家庭的气息，但又是富于变化、讲究形式感，总之又使人觉得别致舒服、并不同于现实生活本身。他重视统调，也讲究色彩的照应对比，时隐时现的墨色，谨慎考究的用笔又让人想到中国水墨画和它的一些特性方法，而色调时而显出的朦胧、淡或浓的水痕，又令人觉得有水彩画的清透性格。东方与西方，在这里融化为一，融化为美。（转载）